Branding: desarrollar un logotipo

El logotipo no cuesta, lo que cuesta es el trabajo para hacerlo.

A principios de la carrera de diseño gráfico, uno de los ejercicios que son imprescindibles a desarrollar es del logotipo, se empieza por elaborar bocetos, un sin numero de propuestas para poder encontrar el más adecuado o el que más se asemeje a los requerimientos del cliente. En los primeros años, se tiene la mala costumbre de hacer lo que el cliente desee y no lo que el profesional le dice. Es como ir a un hospital y decirle al doctor que le cambie la receta porque no está de acuerdo en lo que le indica.

Muchos de esos casos, son diarios, no solo de los recién graduados o ingresados en la carrera, ocurren también profesionalmente, porque el diseñador se encuentra en la disyuntiva de hacer lo que cree o perder al cliente, porque esta persona que está pidiendo un trabajo tiene la decisión de no escuchar al profesional y simplemente hacer lo que le venga en gana.

Pero analicemos lo que ocurre:

• El diseñador no cuenta con un proceso definido del trabajo, porque en muchos casos, se ha valido de decir que la “inspiración” le ayudo a diseñar. ¿En donde están los pasos a seguir?, ¿en donde está la política de explicar al cliente cual va a ser el resultado esperado?, ¿tiene algún objetivo en realizar dicho trabajo?. Estos procesos vienen desde la base, ósea desde las misma instituciones educativas que deben de incentivar a que los profesionales definan su propia metodología de trabajo, es un importante factor a la hora de tomar una decisión profesional.

En el instante que un diseñador gráfico cuenta con metodología, el resto de la competencia se viene abajo, porque el cliente conocerá la diferencia entre un novato y uno que tiene claro hacia donde llevar el trabajo asignado.

Este detalle, sólo le incumbe al profesional de la carrera, nadie podrá tener la autoridad de definir un proceso, mucho menos el cliente indicar que hacer.

• El objetivo que se plantea el cliente para el desarrollo de un logotipo, es uno de los factores importantes, ¿como podemos definir hasta donde llega nuestro servicio, si el cliente no tiene claro su mensaje?, ¿qué desea comunicar?, ¿cuál es su comunidad?, ¿segmento de mercado? y un sin numero de preguntas que se debe de hacer el cliente antes tomar un decisión para el desarrollo. 

• El cliente, es y será una de las dificultadas que tendrá todo profesional que ejerza esta profesión principalmente por el desconocimiento del proceso de trabajo y porque todo este enrollo, tiene que ver con percepción y eso querido lector, es y será difícil de controlar principalmente porque existen muchos factores para la toma de decisión. 

Por ello se considera, que establecer los parámetros necesarios para el desarrollo de cualquier trabajo gráfico, el cliente podrá identificar y conocer que metodología se va a usar. Esto fortalecerá el servicio que se presta al cliente y podrá generar una mejor relación cliente-profesional.

Cabe mencionar que no existe una formula secreta para convencer al cliente de hacer lo que nosotros creamos conveniente pero tomemos la medida de poder solventar nuestra idea basada en algo tangible para la implementación de la misma.

En ocasiones hemos hablado que las personas no son un numero o un fan, sino más bien la identificación de las emociones son la que priman al elaborar una idea de comunicación. Pero si ésta es mezclada con data o estadística relevante, la toma decisiones va a ser menos tensa para nuestro cliente.

En base a ello hay ciertas consideraciones:

• En todo trabajo creativo, es necesario que el cliente este involucrado. La vorágine diaria de nuestro trabajo hace que nos volvamos mensajeros de comunicación de nuestro cliente y no se encuentre específicamente entrenado para que la idea estratégica se filtre y pueda salir adelante.

• El proceso es primordial, si el cliente no conoce lo que deseamos presentar, no va aceptar nuestra primera idea.

• No siempre las primeras ideas son las mejores, debemos de concentrarnos en elaborar un promedio de tres ideas para que el cliente tome la más adecuada.

• Los “frankenstein” de la comunicación se fuerzan en el momento de hacer la combinación de la idea, el cliente quizás le guste las tres ideas pero si no está sustancialmente justificada y definida los objetivos de la misma, se crearan estos monstruos que solo perjudican la comunicación de la marca.

• No podemos hacer felices a todos, en ocasiones de la toma de decisión no solo pasa por una persona, sino por varias pero al tener un infiltrado en la propuesta ósea el cliente que hablo con nosotros, que nos prepara el terreno para la decisión final, que en ocasiones son los gerentes financieros, generales, marketeros y demás, tenemos una alta probabilidad que pueda defender su idea, nuestra idea, la del profesional junto con la del cliente.

Hemos tocado un punto al momento del desarrollo de una pieza de comunicación, no debemos dejar a un lado a nuestro consumidor más importante que es el consumidor final. Sin él, ninguna decisión de comunicación vale, simplemente nuestra comunicación estaría sin relevancia para la persona más importante de nuestra empresa.

Taller de Creación y gestión de marcas en ecosistemas digitales

Tengo el placer de poder invitarlos a participar en el taller llamado "Creación y gestión de marcas en ecosistemas digitales". 

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Pronto más información.

Volkswagen desvela su nueva tipografía corporativa

Fuente: Brandemia.org

Volkswagen acaba de presentar una nueva tipografía corporativa. Se trata de una familia  creada a medida para la compañía alemana, con el objetivo de alinear su estilo visual al nuevo diseño de los coches así como al desarrollo digital de los mismos, y es que la proliferación de pantallas interactivas en el interior de los vehículos está dando un nuevo protagonismo a la tipografía.

Es por eso que las nuevas fuentes tipográficas no sólo aparecerá en papelería, el eslógan o las piezas de comunicación sino también en cada pantalla o menú de interacción dentro del vehículo.

El proyecto se ha llevado a cabo en colaboración con la consultora alemana MetaDesign, que lleva trabajando con la marca desde 1997, cuando ya participaron en la creación de su anterior tipografía.

La historia tipográfica de Volkswagen comenzó en los años 60, cuando las famosas campañas de DDB empezaron a utilizar la fuente Futura para publicitar el revolucionario Beetle. Se trataba de una tipografía san serif, de inspiración Bauhaus y formas geométricas, que transmitía con acierto valores de modernidad y diseño.

Desde entonces Volskwagen ha sido muy fiel a esta tipografía y en 1997 decidió llevar a cabo una versión ajustada de la misma, manteniendo su esencia pero optimizándola y personalizándola ligeramente. Esta nueva versión fue bautizada como Volkswagen Headline. También desarrollaron una tipografía para cuerpos de texto llamada Volkswagen Utopia basada en la familia Utopía.

Hoy, la marca presenta sus nuevas familias tipográficas: Volkswagen Head para titulares y Volkswagen Text para cuerpos de texto.

Según la nota de prensa, la nueva tipografía es “más contemporánea, menos geométrica y presenta un contraste dinámico”. De esta manera “Volkswagen logra una interacción óptima entre las formas de la tipografía y el carácter de la marca. Inspirada en el diseño distintivo de vehículos Volkswagen, forma y función se acoplan entre sí armoniosamente”.

Volskwagen ha sido muy consistente durante los últimos años con su tipografía corporativa, así que cuando me soplaron que iban a hacer un rediseño de su tipografía, me creé altas expectativas.

Sin embargo, el resultado decepciona. No por su calidad, sino por que la apariencia general pierde carácter, volviéndose menos personal y menos destacable. Digamos que la asociación directa con Volkswagen es muy difícil, a diferencia de otras marcas como Audi, cuya tipografía genera una asociación inequívoca con la marca.

No obstante se trata de un trabajo tipográfico excelente. Las inclinaciones en los remates de la T y la F son muy interesantes. La relación dentre mayúsculas y minúsculas es muy armoniosa y, en general, al ser menos geométrica que la Futura, genera bloques de texto más compactos y mejor estructurados.

Quizás tenga sentido pensar que una tipografía como la Futura, diseñada en 1927, no sea la más apropiada para representar a una compañía moderna, innovadora y digital del siglo XXI. Pero es cierto que la asociación con Volkswagen era indiscutible (e histórica). No se si me estaré dejando llevar por un inmovilismo nostálgico, pero la verdad es que me da pena que la evolución no haya sido más continuista.

El oficio del diseñador gráfico

Por: Ricardo Wilson

Fuente: ifpaginasweb.com

Tiempo atrás pregunte a un grupo de nuevos alumnos el por que querían estudiar diseño, las respuestas fueron varias y la verdad, inesperadas: ‘Porque me gusta dibujar’ dijo uno, ’porque podremos trabajar en la computadora’ dijo otra, y no seria para mi un problema mayor de concepción general hasta que uno me contesto ‘es porque soy creativo’, algo que sin lugar a dudas haría revolcar en su tumba a grandes maestros como Otl Aicher.

Muchas preguntas surgen en el día a día, y una de ellas es la que más me pesa, ¿cual es nuestro verdadero oficio? Para hablar de qué deberíamos estar haciendo primero es fundamental hablar sobre algunas percepciones que se tienen acerca del profesional en si, y ojo, una visión netamente local, porque habrán casos en otros lares que estas percepciones serán completamente distintas.

Por el manejo con clientes y por simples conversaciones con amigos durante los años he podido ir armando un perfil sobre las concepciones que se tienen acerca de un D.G. y la verdad que en un global de opiniones y de manera general se puede percibir que existen prejuicios sociales que han logrado producir muchos daños en la concepción real de ser un Diseñador Gráfico, hay una idea común y muy falsa acerca de la profesión, la idea de que por ser ‘creativos’ es que estamos en esto, y es esa idea la que a final de cuentas desemboca en muchos más problemas y a la final, el irrespeto total hacia lo que somos y lo que hacemos.

El ser creativo es un rasgo de personalidad y no nos debe definir como profesionales, la creatividad llega como parte de un proceso estructurado de pensamiento, no nos pega en la cabeza de repente, porque hasta para los señores publicistas, llegar a una idea ‘creativa’ les toma tiempo de pensamiento, no se acuestan en el piso a esperar que llegue. Ojo, y no solo eso, la creatividad puede ser parte de cualquier profesión por eso mismo, porque es un rasgo de personalidad y no algo que viene con la profesión.

Dentro de este camino lleno de prejuicios y de irrespeto tenemos como consecuencia de que algunos clientes tengan la idea de que solo hacemos dibujitos o que sabemos usar bien la computadora, y que por eso no deberían pagarnos lo que pedimos, y que aún así al ser contratados se toman decisiones en base al gusto del mismo cliente sin considerar nuestra preparación y que lo que se propone es la solución. No generalizo en este punto, porque hay clientes y hay clientes también, pero con años de experiencia en esto he podido encontrarme con ambos.

Fuente: alfredovela.wordpress.com

Con el pasar del tiempo se ha vendido mal la profesión, y ese encaminamiento hacia el ser creativo ha venido afectando la muchas cosas, y gracias a ese perdido respeto es muy común que a nosotros se nos pidan cosas con el fatídico término ‘para ayer’ y cuando eso es una verdadera falta de respeto hacia lo que hacemos, porque no somos seres nocturnos, tenemos que dormir la misma cantidad de horas que el resto, porque somos personas que tienen vida social, porque no dependemos de ninguna sustancia psicotrópica para crear y comunicar, no somos adictos a la comida chatarra, no somos ninguna especie de mago que puede hacer aparecer cosas de la nada de un rato para otro y peor aún, no somos personas que solo estudiamos bachillerato para ser considerados la ultima rueda del coche de un departamento de diseño dentro de cualquier agencia. Si usted siente que si lo es y entra dentro de cualquiera de estas características, le invito a dejar de leer y seguir con su visión de la profesión.

Tengan presente que nadie paga extra por un rasgo de personalidad, de ahí también la pérdida del respeto hacia la profesión, de parte del resto y de nosotros mismos hacia la sociedad.

Es ahí cuando el oficio del diseñador pasa a cumplir los designios del cliente y no a resolver un problema de comunicación, cuando diseñamos por necesidad y aceptamos proyectos que no queremos o de los cuales no compartimos principios éticos, cuando la estructura de un proyecto se derrumba por el sesgo del gusto, cuando no defendemos lo que hacemos por temor a ‘perder la cuenta’ y cuando el desvelarse o trasnochar se vuelve parte del día a día y con una sonrisa fingida contestamos después ‘Es que así toca’, es ahí cuando estamos perdiendo la verdadera razón de nuestro oficio, y mucho más importante, el respeto hacia esta.

Hemos estudiado para ejercer la profesión, nos hemos preparado para esto, no es un simple destello de creatividad, no es un simple trasnoche, por eso a la larga se fundamenta en que el cliente no confía en nosotros por esas concepciones, y al no confiar no se termina de desarrollar por completo el ser Diseñador Gráfico.

Señores, no se ustedes, pero yo no me queme las pestañas durante tanto tiempo para todo esto. 

Marca país Honduras y su dibujo bonito

Fuente: Brandemia.org - Modesto García

Fuente: brandemia.org

Con el objetivo de encontrar un símbolo que promueva al país en temas de inversión, comercio y turismo, el Gobierno de Honduras invitó a participar en el Concurso de la Identidad Gráfica Marca País-Honduras, a todos los hondureños mayores de 18 años, que residan dentro o fuera del país, tengan o no formación o experiencia en diseño.

De entre más de 200 propuestas presentadas, el comité organizador, asesorado por un equipo técnico seleccionó primeramente los diez mejores trabajos, que puedes ver a continuación.

Estas propuestas fueron evaluadas por un jurado que, según las bases, estuvo compuesto por hondureños con importantes credenciales en la industria del diseño, el arte, la cultura y los negocios. Pero también entró en juego una fase de votación popular, que ejerció el pueblo hondureño a través de internet.

Fuente: brandemia.org

El logotipo ganador ha sido creado por el hondureño Gerardo Midence, diseñador en TBWA Honduras y simboliza el mapa hondureño y a la vez un cuerno de la abundancia, presente en el escudo nacional y que representa las riquezas que predominan en el país.

El video de presentación del logotipo nos ofrece una alta dosis de verborrea donde se nos habla de los distintos colores como simbología de sol, cielo, ríos, mares, riqueza cultural, economía… Según el autor, la idea de ondas que muestra el logotipo tiene como objetivo representar la dinámica y el movimiento del país en busca del desarrollo.

El resultado nefasto de este concurso es merecido, teniendo en cuenta las condiciones vergonzosas del proceso.

Cuando Honduras decide llevar a concurso la creación de su marca país, está llevando a cabo una operación de prensa encubierta, intentando venderse como un país democrático y que confía en la colaboración de sus habitantes para conformar una marca país verdaderamente integradora. Y muchos diseñadores lo creerán, aceptando la falsa promesa de fama y trabajando gratuitamente para difundir la causa. ¿Quién gana siempre? El organizador.

Lo que Honduras nos está diciendo realmente es que el diseño no tiene ningún valor. No importa la formación, no importa la experiencia, lo que importan son las buenas ideas, por lo que cualquiera puede participar.

También Honduras nos quiere decir que una marca país no necesita una proceso completo de información y análisis que nos determine un problema concreto a solucionar, sino que sólo necesitan una solución formal. Un simple dibujo valdrá.

Los concursos son una falta de respeto hacia el diseño como profesión, ya que lo someten a condiciones injustas que no se dan en otros sectores. Es importante acabar con ellos, pero para hacerlo es fundamental que sean los propios diseñadores los que entiendan que con su participación, están contribuyendo a esta devaluación descarada de la profesión.

Para más información, puedes ver en este link el decálogo publicado por AEBRAND (Asociación Española de Agencias de Branding) para la correcta organización de concursos de diseño.

Los 16 clichés más comunes en diseños de logotipos

Mercado2.0 por Salvador Vega

Es bien sabido que una de las decisiones más importantes -y a menudo difíciles- para cada empresa es elegir la imagen que servirá para representar los valores institucionales que piensan compartir con sus consumidores. Por esta razón, la buena comunicación con los diseñadores y un concepto claro son la clave para evitar caer en equivocaciones o clichés a la hora de escoger un logotipo.

Para los creativos, es indispensable seguir cada uno de los elementos que forman parte de un buen diseño, para generar así una imagen que no pase desapercibida y que cause un impacto significativo en los receptores.

Por esta razón, el diseñador gráfico Giovanni Tondini se dio a la tarea de recopilar algunos de los ejemplos de diseños sobreexplotados en el marketing internacional.  En cada una de las 16 categorías, Tondini creó una decena de ejemplos de logos genéricos, que sirven como parámetro para identificar los clichés del diseño de marcas.

A continuación, te presentamos los resultados de su trabajo:

1.- El nombre de la compañía en un círculo a dos colores

 

2.- El acrónimo de la compañía dividido en dos colores y un arco (con la fuente Trojan)

3.- El acrónimo de la compañía con las letras fusionadas, partidas o divididas

4.- El acrónimo en cajas cuadradas

5.- El nombre usando la tipografía “Satisfaction”

 6.- El hombre ‘siempre verde’ con forma de V o con forma de hoja

 

   

7.- Árboles en los que la gente son los troncos o las ramas

  

8.- Vehículos estilizados (por lo regular el mismo auto)

  9.- El nombre y las esferas de todo tipo

 10.- Techos y edificios cúbicos

11.- Ruedas o engranes

 12.- Burbujas y puntos entrelazados

 

13.- Una gota que cae mezclada con hojas y otros elementos

14.- Figuras geométricas con líneas alargadas que las atraviesan

15.- El círculo multicolor formado por humanos

16.- Gráficas financieras o torres ascendentes 

 

Book: Historia mundial del diseño

Foroalfa.org

Entrevista a Victor Margolin en relación a su libro «World History of Design», una obra inigualable en la que presenta su larga investigación y su posición sobre el tema.

 ¿Qué le motivó para emprender una obra de tanta relevancia?

En primer lugar, siendo profesor de historia del diseño durante muchos años, estaba frustrado por la falta de materiales disponibles para fines didácticos que reflejaran la diversidad del mundo, así como la de mi propio país, Estados Unidos. Hace casi quince años tuve la oportunidad de dedicar un año a la investigación de los diseñadores afroamericanos de Chicago y encontré mucha gente y mucho material. A partir de eso he incluido esos materiales en diferentes artículos que he escrito y también en esta gran historia mundial.

Empecé por escribir un libro de texto, pero conforme investigué, el libro creció más y más. Me di cuenta de que, entre mi curiosidad y mi deseo de ser exhaustivo, iba a terminar por escribir un libro grande. De hecho, la idea de producir un magnus opus me parecía atractiva, especialmente en esta etapa de mi carrera en que tengo la oportunidad de dar uso a todo lo que he aprendido y también a los contactos que hecho con colegas a lo largo de muchos años.

¿Qué importancia tiene una historia mundial del diseño?

El diseño se ha vuelto una actividad mundial, sin embargo las historias, al menos las que hay en inglés hasta hoy, no han reflejado su extensión. Se han concentrado mayormente en los Estados Unidos, Europa (y ni siquiera en todo Europa) y hasta cierto punto, Japón. Sin embargo existen muchos países con ricas tradiciones de diseño que no son conocidos. En algunos países como México, Colombia, Brasil, Nueva Zelandia, China y España hay historias en sus respectivos idiomas nacionales y algunas de estas historias son bastante minuciosas y están bien documentadas. Pero el material es totalmente desconocido para la gente fuera de las órbitas de esos lenguajes. Las historias en inglés como la Historia del Diseño Gráfico de Philip Meggs se han convertido en los únicos textos; aunque no mencionen a muchos o a ninguno de los diseñadores de los países en los que han sido traducidas.

En mi historia mundial he procurado cubrir todas sus partes. Consulté muchos libros en español, portugués, francés, alemán, italiano, así como en inglés. También he usado historias sobre economía e historias de la tecnología y los negocios, las cuales contienen mucho material relacionado con el diseño. El internet también es una amplia y buena fuente de información acerca del diseño y los diseñadores de muchos países. De hecho, me encuentro sistemáticamente sorprendido por la cantidad de información que hay en la red, especialmente biografías y fechas de nacimiento y defunción de los diseñadores de muchos países.

¿En qué aspectos su obra supera a las publicadas con anterioridad acerca del diseño?

Las historias anteriores, como ya mencioné, rara vez tratan de materiales fuera del canon convencional del diseño estadounidense, europeo, y hasta cierto punto, del japonés. He procurado ser ampliamente incluyente, abarcando hasta los países como Tailandia y Grecia, donde la actividad del diseño apenas si es conocida. Resulta que hay estudiantes y estudiosos en todo el mundo que están investigando el diseño en sus propios países. Por ejemplo, he recibido mucha ayuda de dos mujeres griegas, estudiosas del diseño griego. Una escribió una colección de ensayos sobre el tema y la otra una disertación doctoral en inglés sobre el diseño gráfico griego de la posguerra. Parte de las razones por las que he podido escribir una historia tan amplia es que aproveché la red de estudiosos y diseñadores de todo el mundo a quienes he conocido en mis viajes y como editor del periódico de diseño académico Design Issues. A lo largo de los años hemos buscado publicar artículos sobre la historia del diseño en lugares que no estaban bien documentados previamente. Ahora me encuentro usando muchos de los artículos que publicamos como materiales de referencia para mi investigación.

¿Cuál es y cuál sería la consecuencia de prescindir de una historia mundial del diseño?

Sin una historia mundial del diseño no tendríamos la documentación que reconoce las aportaciones que los diseñadores de todo el mundo han hecho a esa historia. En pocas palabras, no nos entenderíamos como un mundo en el que muchas personas diferentes han hecho aportaciones. Imagine una historia del mundo que no incluyera a Asia o África. Sólo sería un panorama parcial de quiénes somos. En resumen, como ciudadanos de un mundo global no entenderíamos las relaciones entre todo lo que ha sido aportado por muchas personas muy diversas. Habría un sentido falso de superioridad en las personas cuyas aportaciones fueron reconocidas, mientras que otras quedarían relegadas. Una verdadera historia mundial del diseño o cualquier otra forma de producción cultural da reconocimiento a todo el mundo que sea significativo en su propio medio, y que —al mismo tiempo— forma parte de una historia mayor.

¿Cuál fue el método que aplicó para la elaboración de esta obra?

Basé la estructura narrativa en las historias mundiales que ya han sido escritas. Empiezan con los primeros seres humanos y se desplazan hacia las grandes civilizaciones, hacia el nacionalismo, colonialismo, poscolonialismo, hasta el mundo global. Cuento la historia, primero en términos de civilizaciones, y después de naciones y regiones. De tal modo que tengo capítulos sobre América Latina, con secciones sobre países específicos; de igual manera con África, Asia y Medio Oriente. Lo mismo hago con Europa, aunque algunos países tienen sus propios capítulos, por sus historias del diseño particularmente ricas. También incluyo capítulos —en ambos volúmenes— sobre los países del Commonwealth británico, los cuales nunca son mencionados en las historias del diseño.

¿Desde qué perspectiva parte para la interpretación de la historia del diseño?

Mi perspectiva de partida se basó en tres conceptos del diseño: 

• el diseño con «d» minúscula se ha dado en todo el mundo, en todo momento. Las personas han hecho artefactos que necesitan para vivir y también han inventado medios de comunicación para relacionarse unos con otros;
• el diseño con «D» mayúscula es la historia del diseño desde la Revolución Industrial, la cual incluye los orígenes de la producción masiva, aunque ocurre antes de la Revolución Industrial, y la comunicación masiva;
• el diseño moderno que se ha arraigado en todo el mundo desde el fin de la Segunda Guerra Mundial.

No tengo una idea rígida del diseño y la mantengo fluida para contar la historia de cómo la gente ha producido las cosas que necesita para vivir diariamente.

¿Qué dificultades principales enfrentó en la investigación y acopio de materiales para esta historia?

Hay materiales en idiomas que no entiendo. Puedo usar materiales en inglés, español, portugués, francés, alemán e italiano con un pequeño acceso al holandés. Pero hay muchos materiales, en muchos otros idiomas, que no son accesibles para mí. Por fortuna he encontrado suficiente material en idiomas que sí entiendo de tal modo que la historia general no es deficiente. También es extremadamente difícil conseguir las imágenes. Aunque existen muchas imágenes en baja resolución en internet, encontrar imágenes en alta resolución y obtener el permiso para usarlas es una tarea difícil. He estado trabajando con un investigador de imágenes para los primeros dos volúmenes y nos hemos encontrado con muchos obstáculos insuperables, ya sea porque no pudimos encontrar la fuente de alguna imagen que queríamos, o porque los propietarios de la imagen pedían un pago excesivamente alto por usarla. Sin embargo, en general, hay mucho material escrito, tanto impreso como en la red, que he podido utilizar. También he recibido ayuda de varios colegas en el extranjero que han sugerido materiales o han leído mis secciones o capítulos, y han aportado correcciones muy valiosas. Los servicios de la biblioteca de mi universidad han sido increíbles para obtener materiales de otras bibliotecas de nuestra región, de otras partes de los Estados Unidos, y en ocasiones del extranjero. También han podido rastrear artículos que yo estaba buscando.

En sentido amplio, ¿cómo definiría el diseño?

Esa es una pregunta difícil y que a la vez no me preocupa demasiado. En mi libro considero el diseño en forma bastante amplia como la gama completa de artefactos e imágenes y hasta sistemas no materiales, que la gente ha creado para vivir. Incluyo la artesanía, cuando se relaciona con la producción de objetos para uso, pero no como forma de arte; e incluyo también la ingeniería y otras formas de tecnología cuando el resultado han sido máquinas y aparatos que son útiles. Sin embargo, considero de forma muy amplia lo que es el uso. Escribo acerca de la historia de las armas así como artefactos que la gente usa en su vida diaria. No obstante, considero que en general el diseño es concebido como algo que tiene como propósito la invención o formulación de un producto, ya sea este material o inmaterial.

En cuanto a su historia ¿desde cuándo aparece el diseño gráfico?

En forma similar a Meggs, empiezo con las primeras imágenes que los seres humanos diseñaron para su comunicación; es decir, las punturas y grabados de las cuevas de Lascaux y de Sudáfrica. Escribo acerca de la historia temprana de la escritura y la transformación de la cuneiforme y los jeroglíficos en alfabetos fonéticos. En la medida de lo posible, hablo de los alfabetos y sistemas de signos en diferentes culturas: los alfabetos coreano, chino, japonés, árabe, hebreo y romano. La imprenta surgió en más de una cultura, al igual que la reproducción masiva de imágenes. Con el tiempo, la impresión moderna de libros, publicidad, revistas y efemérides se da en todas partes del mundo.

¿Hasta qué punto una crítica adecuada del diseño influye para que este pueda elevar sus aportes sociales?

Es difícil saber. Por el momento, el mundo está atravesando una serie de crisis políticas, sociales y ambientales. El diseño puede tener un papel importante para abordarlos. Hoy es mayor que antes la cantidad de diseñadores que piensan en esto; pero todavía existe el problema de cómo financiar el trabajo de los diseñadores que quieren trabajar para las causas sociales.

En el diseño, ¿cuál de sus áreas —en un sentido amplio— considera que tiene más resultados en sus aportes sociales?

Pienso que todas lo pueden lograr. Es verdad que la arquitectura tiene un papel importante, en especial en el diseño de las estructuras de vivienda temporales, después de los desastres naturales y en los campos de refugiados. El trabajo de Shigeru Ban es un buen ejemplo, al igual que toda la vivienda social que están construyendo grupos como Architecture for Humanity. Los diseñadores gráficos y diseñadores de la red pueden ayudar a comunicar información importante acerca de la situación mundial, a grandes públicos; y los diseñadores pueden crear herramientas para redes sociales como Kickstarter, que pueden ayudar a gente de buena voluntad a financiar proyectos socialmente benéficos. También necesitamos computadoras baratas y aparatos móviles, para garantizar que haya más gente con acceso a toda la información que éstos pueden aportar.

¿Cuál considera que es la principal deficiencia de la práctica del diseño en cuanto a sus consecuencias sociales?

Todavía hay muchos diseñadores y sus clientes que ven al diseño primordialmente como una herramienta de ventas; ya sea creando una aplicación extra para un teléfono móvil o anunciando un nuevo edificio de condominios. El diseño sigue siendo una actividad secundaria que tiende a obedecer instrucciones de otros que no son diseñadores. Nos vendría bien tener más autonomía para los diseñadores que conciben proyectos sociales valiosos, y que después encuentran maneras de realizarlos.

¿Por qué su énfasis en el diseño gráfico?

De hecho no enfatizo el diseño gráfico. Doy igual cobertura al diseño de productos de todo tipo, desde tazas de té hasta misiles guiados.

¿Desde qué perspectiva está valorada la historia del diseño en cuanto a sus aportes sociales?

El diseño es el medio que tenemos para organizar recursos con objeto de satisfacer necesidades humanas. El verdadero tema es cómo definimos lo que la gente necesita, o simplemente desea. No quiero ser demasiado específico en esa distinción pero diría solamente que tenemos grandes cantidades de superávit en el mundo, con productos que nadie necesita o acaso quiere. También estamos en un ciclo acelerado de actualización de aparatos, que crean grandes flujos de desechos como teléfonos, computadoras, tablets y otros aparatos caducos. Un problema de este flujo de desperdicios es que muchos de estos productos contienen mercurio u otros materiales que no son fáciles de desechar; además, tenemos un enorme problema de desechos. Sería mejor si encontráramos maneras de conservar nuestros productos básicos y simplemente los actualizáramos con un nuevo software, pero no creo que eso sea posible, dada la velocidad del cambio tecnológico. A pesar de ello, necesitamos un sistema mejor que el actual para introducir nuevos artefactos.

¿Están suficientemente representados los países de la periferia?

Totalmente. He procurado ser tan incluyente como puede serlo alguien que escribe una historia mundial.

¿En qué se sustenta para evaluar el diseño de los países de la periferia?

Yo miro el diseño de cualquier país en términos de lo que tenía sentido ahí, en un momento determinado. Aunque muy pocos países tenían escuelas de diseño avanzadas como el Bauhaus o el Hochschule für Gestaltung en Ulm, la mayoría desarrolló escuelas de arte en las que se capacitaron muchos diseñadores. Las ideas avanzadas del diseño no llegaron a muchos países hasta después de la Segunda Guerra Mundial, pero antes de eso hubo muchos desarrollos en las artes decorativas y comerciales que resultan impresionantes en un sentido global y no sólo local. Por desgracia, muchos países eran colonias o eran económicamente periféricos hasta la Segunda Guerra Mundial, aunque como colonias desarrollaron estrategias para hacer objetos y crear diseño visual.

¿Considera que los efectos del diseño tienen sus raíces en la educación?

La educación es determinante para capacitar a los diseñadores. La escuela de diseño es el lugar donde se debe exponer a los estudiantes a las posibilidades de sus profesiones y a que aprendan acerca del futuro, así como la manera de actuar en el presente. Hay diseñadores que aprenden por su cuenta, pero una currícula escolar es esencial para situar a los estudiantes en sus respectivas profesiones de diseño. En ese sentido, es importante contar con un plan de estudios que prepare a los estudiantes para que hagan una aportación en un mundo extremadamente complejo.

¿Aspira a actualizar su historia mundial del diseño en un futuro?

No he pensado en ello. De hecho, me gustaría terminar el tercer volumen, en el cual estoy trabajando actualmente y después tomar algunos otros proyectos. No estoy seguro de qué es lo que tiene planeado el editor en cuanto a actualizar los volúmenes; pero yo necesito completar el tercer volumen hasta la actualidad y entonces podré ver qué hacer después.

Diseño gráfico como herramienta para la comunicación visual

Ha pasado más de ocho años desde de me gradúe de Licenciado de Diseño Gráfico y Comunicación Visual en la Universidad Santa María de Chile campus Guayaquil, lo cual me ha permitido trabajar en diferentes proyectos de creación y gestión de marca, diseño de logotipos, diseño de paginas web, una experiencia muy puntual en el tema publicitario expuestas en televisión local y haber conocido a grandes profesionales de diseño, tanto ecuatorianos como extranjeros, que me brindaron la oportunidad de conocer nuevos métodos y formas.

Esto, no hubiera sucedido sin que se hubiera tomado una decisión con respecto a la carrera profesional que deseaba desarrollar pero te toma un tiempo poder comprender si efectivamente es lo que te gusta hacer como para realizarlo todos los días de tu vida, sin que te llegue a cansar. Lo que sucede es, cuando un llega a la etapa de elegir una profesión se abren un abanico de posibilidades las cuales como joven suele suceder que no sabemos que elegir. Pero el objetivo de este corto texto es poder enfatizar acerca de lo que se “debe” o “preferiría” elegir al llegar a esta etapa en donde empezamos a decir que deseamos ser profesionalmente.

Empecemos por el principio, según la RAE, la palabra profesión es "Empleo, facultad u oficio que alguien ejerce y por el que percibe una retribución." Esto significa, que vamos a tener una remuneración por el trabajo realizado, dicho trabajo, se lo realizará en promedio cinco días por semana, veinte días por mes y casi ciento cuarenta y cuatro días por año, eso si no es más dependiendo de la profesión y también de las horas, que eso también es importante. En ocasiones no suelen mencionarnos en ningún lado eso, sino más bien se esfuerzan en decir, que debes de tener una profesión para tener una independencia económica, solvencia, si deseas constituir una familia, tendrás que esforzarte para mantenerlos y un sin número de detalles que siendo joven muchas veces no importa.

Pero al final del día si es importante, es importante lo que realmente debamos ser como profesionales porque dicho futuro trabajo que obtendremos estará enlazado a lo que buscaríamos como objetivo primario, que es poder tener una buena economía para poder alcanzar nuestros objetivos financieros, se debe de recalcar que esto no es una regla sine qua non, sino más bien que gracias a esas excepciones que existen, el mundo ha podido conocer genios que nunca llegaron a poseer un titulo universitario, un maestreado o un doctorado pero realizaron tan buenas cosas que todos pudimos apreciarlas. 

Poder elegir una profesión no se debería tomar a la ligera, debería ser algo más mesurado, sin prisa, sin presionar a este joven que decida que desea hacer por su vida, porque en muchos casos realmente no lo saben. Conozco personas en las cuales hasta ahora han podido graduarse de una universidad por haber estado eligiendo profesiones que al final del día no eran para ellos. Esto debería ser un trabajo en conjunto, tanto la familia, la escuela, el estado y hasta la sociedad para poder darles las herramientas necesarias a este joven que desean ser alguien y poder demostrarles a todos pero que en ese momento no sabe cómo. 

El deseo en lo más profundo, es que algún día podamos todos conocer el estado puro de nuestro agrado para ejercer la profesión que elijamos sin la necesidad del retorcimiento por algo que hacemos y que no sea de nuestro agrado.
 

El hombre de las marcas

Entrevista realizada a Jaime Nuñez del Arco, diseñador gráfico, catedrático, escritor, se ha dedicado al branding y  ha tenido la oportunidad de realizar el Congreso Internacional EN SUS MARCAS y además de la Expo Marcas, realizado en la ciudad de Guayaquil.

El Universo
Fecha: 29/11/2012
El hombre de las marcas

Nos recibe en su nuevo estudio en la calle principal de Entre Ríos. Recién se está mudando, el local está casi vacío, pero como parte de su identidad de diseñador gráfico sobresalen una iMac y paneles llenos de logotipos.

A Jaime Núñez del Arco, de 36 años, se le sale por los poros su fascinación por el mundo del diseño gráfico, especialmente por el de logotipos que es lo que da identidad a una marca.

Graduado de la Universidad Casa Grande, cuenta que empezó a trabajar a los 20 años en agencias de publicidad, la primera fue Norlop y de ahí vinieron otras. Fue en el medio publicitario donde descubrió todas las implicaciones del diseño gráfico y se metió de lleno en ello. Fue así como en 1997 abrió Dúo, una oficina dedicada al diseño publicitario que trabajaba bajo el concepto de comunicación visual, muy en boga en ese tiempo. En el 2004 se abrió y comenzó a especializarse solo en el diseño de marcas, tarea que se consolidó en el 2007 cuando creó el Estudio de Diseño Núñez del Arco, en el que labora con 4 personas en infinidad de proyectos. 

En este campo reconoce como su predecesor en el medio a Peter Mussfeldt, a quien admira.

Jaime es creador de logotipos de Facundo, Plastigama, así como de bancos, laboratorios, empresas de construcción y otras de diversas áreas. “Ya perdí la cuenta”, dice. 

Como todo buen profesional cree en los procesos más que en la inspiración, aunque reconoce que el diseño tiene su parte artística.

“El trabajo del diseño de marcas no termina con la entrega del logotipo, hay implícitas muchas variantes, ya que la empresa lo usa en papelería, en señalética, en empaques, etcétera, es decir, hay que hacer un manual de uso de ese logotipo”, explica este hombre que descubrió sus habilidades desde pequeño, cuando recortaba los títulos de películas que salían en los diarios, hacía sus propios afiches y los pegaba en la pared de su cuarto.

Actualmente ha comenzado a trabajar en proyectos denominados Imagen Ciudad, con diversos municipios del país, así como con los ministerios de Comunicación y de Educación, en este último en un nuevo canal Educa.

Jaime también dirige el proyecto Muca, dedicado a la organización de conferencias, talleres y congresos educativos sobre diseño de marcas.

Como parte de ese proyecto este año se realizó la primera exposición de marcas del Ecuador, por la cual de 200, de diferentes diseñadores, se escogieron las 100 mejores para exhibirlas, y el próximo año se repetirá con nuevas. Actualmente labora en la creación de una página web sobre logotipos. “Será interesante porque se los podrá buscar cronológicamente, por área, por diseñador, etc.”, explica emocionado.

Del diseño de marcas señala que es un negocio difícil, no siempre rentable. “Mientras hay producción en un país funciona. Además, aquí los empresarios no siempre valoran este trabajo, no conocen exactamente de qué se trata y todas sus posibilidades, mientras otros prefieren contratar diseñadores extranjeros pagando grandes sumas y no valoran a los profesionales ecuatorianos”. 

También es docente en la Universidad Casa Grande, de Gestión de Diseño, por la cual da herramientas a los alumnos sobre cómo hacer negocio con el diseño. Confiesa que le encanta la docencia, de hecho antes también fue catedrático en el ITAE, en la Politécnica y en la Universidad Santa María.

Pintor y escritor 
Polifacético, además escribe sobre diversos temas en la columna ‘Con los ojos bien abiertos’, de la revista Sambo de EL UNIVERSO. “Es una actividad que disfruto mucho. De hecho soy muy conocido en Samborondón por mi columna, mientras que el trabajo del diseño es casi anónimo”, dice Jaime, divorciado y padre de tres hijos: Isabela de 15, Luciana de 12 y Santiago de 9 años. En la columna, Jaime escribe de cualquier cosa menos de diseño.

El nombre de Muca, por ejemplo, se debe a que su hija Isabela cuando era pequeña no podía decir música y le pedía que le pusiera “muca”.

También pinta y ha exhibido su obra en el país y en el extranjero. “Es un hobby”, puntualiza.

Jaime, que vive en Entre Ríos desde hace 30 años, también escribe cuentos, aunque confiesa que últimamente no tiene tiempo y espera hacerlo cuando “esté más viejo”. “En mi familia no hay gente dedicada al arte, mi papá es camaronero y mi mamá es ama de casa, sin embargo, por la parte literaria, dos tíos abuelos fueron los fundadores de El Guante, uno de los periódicos más antiguos de Ecuador. De ahí me viene el gusto por escribir”, cuenta.

Dicen de él
“Los logotipos de Jaime son simples, sencillos pero a la vez son muy atractivos, de tal forma que atrae a los clientes y se crea una identidad”.
Miguel Rodríguez
Cliente y amigo